El diseño emergente: ART DECÓ

 ART DECÓ

El Art decó es considerado el último estilo.  Surge en los años 20, justo después de la Primera Guerra Mundial. Al finalizar la guerra se produce en Europa un estado de optimismo sobre todo económico que se refleja en toda la sociedad. Esto ocurre tanto en los países ganadores como perdedores, dado que supone un bum económico, por la necesidad de reconstruir el país, con gran desarrollo del diseño. A este suceso de optimismo se le identifica como “Los locos años 20”, el bum económico trae como consecuencia un nivel de vida más elevado para la clase media.

Es un movimiento artístico proprio de esa burguesía, sin embargo, la euforia de los locos años 20 se ve tocada por el Crack del 29, provocado por el hundimiento de la bolsa de Nueva York, produciéndose una crisis a nivel mundial. La crisis también se refleja en el diseño, y  se debe a la mala situación económica y el surgimiento de la ideología Nazi en Alemania.

Durante la última fase el Art Decó, ya en la década de los 40, en EE UU comienza la recuperación gracias al nuevo sistema económico de New Deal.

Art Decó surge en los años 20 con un espíritu de modernidad vinculado al desarrollo de las vanguardias artísticas. Rechaza al modernismo de tendencia ondulante, sobre todo al Art Nouveau. Propone un estilo de diseño más abstracto y geométrico combinando líneas rectas y curvas suaves. La diferencia con el modernismo geométrico y con el movimiento moderno, es que el art deco va a ser un estilo puramente decorativista, no funcional, que propone un estilismo (styling) en los productos, embellecidos con materiales muy caros, extravagantes, raros y escasos como el marfil, carei, maderas y pieles exóticas lujosas. La rareza de los materiales se va a traducir en símbolo del estatus social.

Combina los materiales exclusivos con nuevos materiales propios de la industrialización, modernos,  como el acero y los primeros plásticos como la baquelita y los celuloides. Los acabados son pulidos o lacados brillantes y de gran colorido (sobre todo las joyas). Durante el Art Deco se producen multitud de objetos puramente decorativos, como figuritas, sujeta libros, pisapapeles, no necesarios pero se les  atribuye una funcionalidad forzada.

Se emplea la figura de la mujer como figura naturalista y elementos  naturales, sobre todo florales y vegetales sin simplificación formal. Todo ello combinado con una estructura geométrica de formas abstractas.

El Art Deco surge en Francia en contra del Art Nouveau y es donde tiene su máximo desarrollo (1925 con la exposición Art Deco de Paris) Posteriormente se da en el resto de Europa pero donde más desarrollo va a tener es en Estados Unidos.

En Estados Unidos hay un desarrollo muy importante del Art Decó en la arquitectura y comparte con el movimiento moderno y el modernismo el tratamiento integral del diseño en edificios públicos, oficinas y locales. Los primeros hoteles surgen ahora para la burguesía y se decoran siguiendo la línea del Art Deco. También se utilizo en el diseño y decoración de algunos barcos trasatlánticos y cruceros lujosos de la época. También fue habitual en los grandes trenes de lujo como el Transiberiano y el Orient Express.

DISEÑOS

En cristal y vidrio destacó Rene Lalique que ya vimos en el modernismo ondulante como diseñador de joyas.

Esta es una fuente de cristal situada en la entrada de la esposición de Art Decó de parís de 1925. A partir de aquí se lanzo en su carrera realizando diseños de objeto en cristal además de joyería. En esta exposición todo es efímero y pasa lo mismo con esta fuente. Es un objeto puramente decorativo. Diseña también frascos para perfumes, jarrones y todo tipo de figuras en vidrio. La técnica que más trabajo fue a partir de un molde con una producción en serie. Sus piezas en vidrio tienen un carácter escultórico. Jugó mucho con los colores y las texturas. Todos estos son frascos de perfume muy exóticos por sus colores y acabados esmerilados. Sus productos eran dirigidos al publico burgués, con alto poder adquisitivo. Realizó más de 300 jarrones y centros de mesa en distintas técnicas de manipulación del vidrio, aunque predomina la de molde.

También realizo numerosos trabajos para decoración de interiores, aquí tenemos dos de ellos, por un lado un panel decorativo de madera con cristal tallado colocado por los vagones del tren Orient Express, pero originalmente para el vagón restaurante, introduce un gravado con distintas figuras femeninas desnudas, como elemento central además de esas formas de panal que le da mucho volumen y textura.  

En la derecha vemos una foto del salón comedor del barco, Normandie, un gran transatlántico de la época para el que realiza una serie de lámparas con láminas de vidrio a modo de cilindros  escalonados para techo y para mesas. Introduce la figura femenina y las formas geométricas.

Hasta aquí vemos las características decorativas del Art Deco pero vemos que a pesar de su deportivismo están destinados a cumplir una cierta función. Sin embargo hay algunos trabajos que se conciben como objetos decorativos. Lalique crea objetos simplemente decorativos, y utiliza sobre todo la figura de la mujer. Consigue una gran sensualidad en su representación, completamente desnuda, sin llegar a ser ofensiva. Estos se toman como pisapapeles pero son puramente decorativos.

Lo mejor de su trabajo fueron figuras emblemáticas que tenían la finalidad de tapas de radiador de los coches de lujo. Se llama CALANDRA, y se colocan sobre el capo del coche. Hizo dos series, la serie de los animales donde hace representación de las cabezas de los animales, y una segunda serie donde representa el movimiento, que tuvo mucho éxito.

                                        Edgar Brandt 

Destaca en la realización de productos metalicos. Realiza numerosos objetos decorativos en Hierro o Bronce, inspirados en los elementos de la naturaleza como animales, plantas, etc. Aquí tenemos un reloj de cobre plateado. También realiza lámparas, con un pie como cuerpo de una serpiente, símbolo del exoticismo del Art Deco. 

Estas lámparas podían ser de mesa o de pié y tuvieron mucho éxito. Se realizaban en bronce dorado macizo y un difusor de vidrio decorado con motivos florales. Se hace con molde, como casi todas las obras del Art decó.

También realizo frentes para chimeneas y Biombos (separador de espacios con paneles). Este es el Biombo Oasis, con un acabado que combina formas doradas y plateadas en una interpretación entre naturalista y geométrica, muy difícil de definir. Geométrica la fuente, las hojas. También realizo muchos paneles tipo reja pero cuya función era de frente o protector de chimenea, alguna de ellos con una línea muy exótica, puesto que era su intención. La capa social para la que iba destinada sus objetos ya era amplia, nos encontramos en una fuerte sociedad de consumo.

Aparte de Brandt también tenemos que destacar a otros artistas que crearon un tipo de figura muy típica del art decó, la CRISELEFANTINA, con origen en la antigüedad griega, eran figuras realizadas en oro y marfil. Eran normalmente figuras de dioses, algunas de gran tamaño, como parece ser la figura de la diosa Atenea. El Art decó recupera esa técnica de combinar marfil con el metal aunque en este caso no con el oro, sino que principalmente bronce. Lo que hacen son sobre todo figuras femeninas. Al principio de la recuperación de esta técnica nos encontramos con figuras muy exóticas, inspiradas en espectáculos de la época que eran los ballets Rusos. Este fue un fenómeno de la década de los 20 que influyo en todas las artes, destacando este personaje en la realización de CRISELEFANTINA. A partir de aquí hay una tendencia de representar figuras femeninas diferentes, desde ese exotismo de los primeros momentos son perfectamente representados por Dimitri CHIPARIUS que trabajo en parís y representaba una mujer moderna que se viste con plena libertad. Representa una mujer desenfadada, libre y moderna.

Un poco más adelante se empezaron a representar figuras de mujeres atletas: nadadoras, saltadoras, gimnastas. En esta segunda fase de la figura criselefantina destacó F. PREISS, alemán que rompe con esa inspiración en el mundo clásico para representar una mujer más actual, siempre en movimiento, de mujeres desenfadadas, libres e independientes. Son figuras decorativas pero tuvieron mucho éxito. Todas se fabrican en metal y marfil.

Joyería Art Decó. 

Se utilizo la combinación de la geometría con la figuras. Son muchos los artistas destacados. COCO CHANE es una mujer característica de la época que monta su propia negocio de moda en Paris, será una de los principales diseñadoras de joyas de este momento. Es de las primeras diseñadoras que consiguió democratizar el diseño de joyas, haciéndolo llegar a extensas clases sociales.

Ella inventó el Pretaporte, con prendas realizadas por modistas pero que contenía varias tallas fabricadas en serie. Ahora las prendas ya no son únicas, sino que se fabrican previamente. De esta manera consiguió democratizar la alta costura. Al hacerlo en serie abarata el coste, y sigue siendo de moda y diseñado por el diseñador. 

En el mundo de la joyería hizo lo mismo: invento la Bisutería, joya fabricadas en serie, hecha de materiales no nobles, y la hizo popular en la población burguesa y noble por su belleza.

La bisutería se realiza en piedras y metales no preciosos, con recuperación de esmaltes, plásticos, cristal, con acabado pulido y colorido. El cristal se parece mucho a las piedras preciosas y lo trabaja mucho combinado con metales plateados y dorados, combinando metales preciosos, oro, pero las piedras no son preciosas.

CERAMICA ART DECO

Destaca Clarice Cliff que empezó realizando composiciones geométricas pintadas a mano, de manera artesanal, pero conforme tuvo éxito, fue contratada por las empresas de la época para fabricar sus diseños en serie.

Vemos un dibujo geométrico muy acorde con las vanguardias del momento, sobre todo de la vanguardia de carácter abstracto. Aparte del dibujo geométrico, podemos apreciar la geometrización de la misma forma o estructura del objeto, fundamentándose en la circunferencia quitándole volumen. En la cerámica es donde más vemos esta tendencia abstracta y colorida del Art Decó.

También destacó Sussie Cooper, otra diseñadora que trabaja en la misma línea, con dibujos abstractos. Sus trabajos nuevamente son muy cercanos a las vanguardias abstractas, neoplasticismo de Mondrian, futurismo. Normalmente estas ceramistas suelen provenir del mundo de la pintura donde de alguna manera se encuentran con un campo todavía más cerrado para la mujer, encontrando aquí, en las artes aplicadas, la posibilidad de desarrollar su sensibilidad artística digamos de manera más ventajosa que en la pintura.

Ambas artistas tuvieron un reconocimiento por sus trabajos cerramicos y fueron contratadas por la industria para una producción en serie de sus diseños.

Por último mencionamos a Rene Buthaud, también muy vinculado a las vanguardias, desarrollando patrones geométricos, pero más enfocado al fovismo, en una línea de representaciones tribales, más cercanas al arte Africano. En algunos de sus trabajos vemos una semejanza con los trabajos de Picasso. Además de geométricos, realiza acabados empleando la figura de la mujer. Ese acabado craquelado lo realiza también para imitar otros materiales, para conseguir un efecto de piedras duras o porcelanas.

La imitación de materiales es característica del Art deco. A pesar de utilizar productos naturales y de gran calidad, desarrolla otros materiales imitativos con final estético, no para abaratar el coste.  La geometrización y la simplificación formal de la estructura del objeto es relacionada con el arte tribal.

MOBILIARIO ART DECÓ

Nos encontramos con diferentes diseñadores, destacando la producción de mobiliario de carácter cotidiano. Se realizo un mobiliario muy inventivo en sus formas, de alta calidad y alto grado de experimentación en el uso de nuevos materiales. Por un lado se emplean materiales clásicos y lujosos, pero por otro lado nos encontramos con mobiliario que emplea nuevos materiales para la industria. Estos son diseños muy cercanos al movimiento moderno y concretamente a la Bauhaus.

Uno de los diseñadores más importantes del mueble Art Deco fue EMMILE RUHLMANN, desarrollando un mueble de alta calidad, con formas simplificadas, geometrizadas y tipologías de muebles muy novedosas.

Podemos ver un pequeño armario o aparador que serbia para bebidas, hecho de madera de amboina (africana) y marfil en la parte delantera que constituye la puerta. También lleva un elemento decorativo muy habitual de Ruhlmann, que son fichas de marfil incrustadas en la madera a modo de dientes en los bordes superiores, un elemento decorativo que se repite en varios de sus diseños identificando así su mobiliario. 

1. Armario bajo, en dos versiones, uno de pared y otro de rincón, realizados en maderas exóticas, en este caso ébano de macasar, con incrustaciones de marfil y bronce plateado para los detalles entre los que destacan esas hileras de fichas de marfil incrustadas en los bordes superiores, características de Ruhlmann.
2. En esta mesa-escritorio utilizó además carei (concha de tortuga) para la puerta delantera combinado con otros materiales exóticos.
3. Mesa fabricada en madera de rosal, con tres patas y superficie circular.

Estos muebles son más bien decorativos que funcionales. Se realizan series mayores industrialmente que en movimientos anteriores pero todavía se realizan por encargo para locales, barcos, casas. Es un producto burgues.

Otro diseñador de mueble del Art Decó es DUNAND, que introduce la técnica de madera lacada, de origen oriental, que consiste en un mínimo de 25 capas de laca lijada cada vez con una lija más fina. El resultado final es parecido a un espejo.

Aplico otras influencias orientales como la decoración. En esta mesa podemos ver la recreación de una escena exótica donde aparece un pelicano, simulando la idea de bambú y plantas orientales. Es una mesa de centro.

En 3er lugar vamos a ver a Eileen Gray, que realiza la mayor experimentación del Art Decó. Famosa por el dominio del lacado oriental, combina esta técnica con la experimentación con aluminio, vidrio, acero y celuloide para el mobiliario.

En su momento no tuvo un gran éxito comercial, pero si fue admirada y reconocida por sus compañeros de la Bauhaus donde realizo algunos trabajos colaborativos, pero no tuvo éxito comercial. Posteriormente, se va rescatando el reconocimiento por su trabajo, convirtiéndose una gran diseñadora del momento.

Realiza Biombos de madera lacada, compuesto por piezas de madera rectangulares unidas por bisagras metálicas. Esto le da un gran dinamismo y funcionalidad gracias a ese juego móvil que permite mover cada una de sus piezas. Es una pieza muy elegante y funcional. Art deco tiene un carácter muy decorativo, dejando un poco de lado la funcionalidad pero en este caso vemos lo contrario.

También diseño mesas de centro con gran simplificación formal y gran elegancia. En su colaboración con la Bauhaus realizo diseños de mesitas auxiliares con tubo de acero y cristal, destacando sobre todo este modelo diseñado entre 1925- 1929, donde combino el tubo de acero con una madera lacada, consiguiendo un modelo de elevada funcionalidad y modernidad. El soporte metálico también sirve de asa, su peso es muy reducido y se puede utilizar casi a modo de bandeja. El plano bolado de la mesa la convierte en un elemento de mobiliario muy versátil y funcional.

Posteriormente diseña la MESA GREY, de acero y cristal, es un modelo ajustable en altura. En este caso el soporte es vertical y la parte superior también sirve de asa. La superficie bolada permite introducir una silla debajo, lo que la hace muy versátil.

En mobiliario durante Art Deco se dio una tendencia de fabricación en serie. Hay algunos diseñadores que diseñan pensando más en la producción industrial, haciendo muebles para la sociedad media y aparecen en los escaparates de los centros comerciales.

Un diseñador que más aporto a la idea de exposición  en galerías comerciales fue Chareau, que fabricaba todos sus muebles en serie.