@Ganeadesign: MODERNISMO ONDULANTE: TENDENCIA

Sus creadores se fundamentan en la creación de un lenguaje nuevo, alejado del historicismo y de lo conocido, basándose la idea de libertad, dando la posibilidad de desarrollar formas sin precedentes históricos.

Para crear este nuevo lenguaje se inspiran en la naturaleza, sobre todo en el concepto de crecimiento orgánico (del tallo de las plantas, sobre todo del tallo del lirio) empleando una líneas ondulantes de crecimiento caótico que se entrelazan, brotan y cubren asimétricamente la superficie. La ASIMETRIA es un elemento muy importante en el modernismo ondulante.

La forma fluida, ondulante va a dominar tanto la estructura del producto como su decoración. Unifica estructura y decoración bajo el concepto de estructura decorativa, un todo inseparable.

Es un estilo muy decorativita , muy estético, en ocasiones retardado. Esto provoco un cansancio estético que provoca la perdida de novedad y modernidad.

La tendencia ondulante carece de fundamento teórico, le falta conciencia social, simplemente se hace el arte por el arte, siendo un lenguaje libre como es la propia naturaleza, sin fundamento teórico. Al ser tan decorativita, su desarrollo va a quedar relevado para la elite.

Se vale de los métodos industriales pero no es un estilo a favor de la industria, sino que solo se sirve de ella para sus necesidades. Aun valiéndose en ocasiones de la industria, los productos del modernismo ondulante son casi objetos únicos, con lo cual, tampoco son más baratos que los del Art and Craft. Por culpa del elevado precio de sus diseños no se considera un estilo social, ya que no puede ser adquirido por una amplia masa de consumidores a pesar de tener gran difusión y guste a la gente.

Además de la naturaleza, utiliza como fuente de inspiración los animales, insectos, la forma femenina, motivos EXÓTICAS (inspiración en la decoración oriental, en la caligrafía, en artes como el mosaico bizantino) y en general se inspirara en todo el simbolismo de estos momentos artístico y literarios ( KLIMT el que más desarrollo el simbolismo en pintura).

Esta tendencia se puede considerar un estilo NEOBARROCO pero sobre todo NEOROCOCO, por esa sensación escultórica que desprenden sus productos.

Silla de Arthur Mackmurdo, mueble del Art and Craft, precedente del modernismo ondulante, donde emplea la decoración vegetal. Mackmurdo utiliza el mismo simbolismo de la naturaleza en un cartel.

También destaca la línea femenina, utilizada por Edvard Munch en algunas pinturas y colagrafias. Su obra El Grito emplea una línea ondulante.

Beardslay representa el exoticismo casi oriental empleando la línea ondulante.

Gustav Klimt emplea la línea ondulante ligada al simbolismo y al mosaico bizantino, dando a sus obras un aspecto exótico-oriental.

BELGICA

En Bélgica, el Modern Art, surgió por influencia de Art and Craft, siguiendo la misma idea de unificar todas las artes, aunque con un lenguaje nuevo.

Tendrá su propia evolución interna. Bruselas va a ser uno de los puntos de mira más importantes en el cambio de siglos. Concentra a numerosos artistas de carácter internacional , sobre todo pintores y escritores.

Buscan nuevos medios de difusión: Bruselas va a ser pionera en la publicación de numerosas revistas de arte y arquitectura.

Buscan alternativas en la representación gráfica, siendo origen de desarrollo del simbolismo, como movimiento artístico: un lenguaje de formas abstractas y simbólicas empleado por los principales arquitectos del momento para el diseño de sus edificios y objetos.

VICTOR HORTA, arquitecto y diseñador utiliza este estilo no solo para su arquitectura, sino también para los productos que la equipan. Cumple otro de los fundamentos de Art and Craft que era el de diseño integral, unificando las artes para diseñarlo todo.

El vestíbulo de la CASA TASSEL, de Bruselas, construido en el año 1893, conocida como residencia para la burguesía. Es un edificio de varias plantas. En este tipo de edificaciones es donde vamos a ver principalmente el desarrollo del movimiento modernismo y en algunos establecimientos públicos. El modernismo va a ser un movimiento fundamentalmente burgués.

Domina la ASIMETRIA en los motivos decorativos naturales del suelo y en las pinturas de las paredes. Lo vemos aplicado en el producto, como puede ser esa lámpara colgante. Para la fabricación se vale de la técnica industrial para darle ese carácter modernista.

Muebles fabricados en madera de FRESNO, en las patas se representa la bifurcación orgánica de las ramas mediante piezas. Imitan las ramas naturales.

Todos los diseñadores suelen ser arquitectos y practican un diseño integral.

Tiradores de puerta de Victor HORTA: Trabajo en metal donde vemos la línea ondulante, natural, dando sensación de ligereza. Se puede ver una excesiva ondulación que compromete la función.

En su arqiuitectura, Victor Horta unifica todas las artes, diseñando todos los elementos, hasta los cubiertos y los manteles de las mesas. La fabricación utiliza los procesos industriales sin llegar a una fabricación en serie: productos únicos, diseñados para un espacio y cliente concreto.

HENRY VAN DE VELDE: El segundo principal personaje belga, también arquitecto. Fue uno de los grandes artistas, aportando numerosas creaciones a este nuevo estilo. Sus obras tuvieron una repercusión internacional (difundió el estilo a PARIS) y además fue uno de los grandes teóricos del movimiento, Realiza publicaciones en periódicos y revistas para extender el estilo.

Se interesaba por los campos de la pintura, del diseño industrial hasta el punto de llegar a diseñar todo tipo de productos domésticos. Esta multidisciplina se debe a los fundamentos de Art and Craft. Emplea la formas orgánicas y abstractas pero sus líneas son más limpias, enérgicas y simétricas. Van Der Velde podría situarse, en algunos de sus productos, en el medio de las dos tendencias, ondulante y geométrica.

Aparte de la forma orgánica de origen vegetal, introduce la inspiración en los insectos. Esta butaca de 1898 está inspirada en una mariposa, al igual que este escritorio conocido con el nombre de escritorio Mariposa, donde juega con el volumen para simular el despliegue y el contraste de las alas de una mariposa.

En el diseño de algunos muebles vemos esas curvas más limpias y esa tendencia simétrica, no tan ondulante y orgánica como la de Horta.

Van der Verde también destacó por sus productos cerámicos con línea orgánica aplicada a la propia estructura del objeto o a los motivos decorativos. Es el caso de este conjunto de vajillas, donde el movimiento ondulante se presenta en la decoración superficial mediante color y bajos relieves pero también se aplica a elementos estructurales como las asas aspecto blando.

En metalistería diseño numerosos productos en plata. Trabajó el mismo concepto de la línea ondulante y fluida, tanto en la estructura como en la decoración, dando ese aspecto de material fluido. Trabajo tanto las formas simétricas como las asimétricas.

En estos elementos puramente estéticos, puede quedar un poco hipotecada esa eficacia de la función. Eso no quiere decir que no sea válido en el diseño. Sigue siendo diseño de calidad y vendible.

FRANCIA

En francia también se da la tendencia del modernismo ondulante. Se dio con muchísima fuerza y el estilo se desarrollo manteniéndose hasta prácticamente nuestros días.

Nos vamos a encontrar con dos focos del Art Nouveau, dos focos de origen y difusión distintos, cada uno con unas características diferentes.

- La ciudad de NANCY, se disputa junto con Bruselas el origen del modernismo ondulante. Nos encontramos con un surgimiento autóctono, espontaneo y paralelo del modernismo de la mano de artistas que no necesariamente son arquitectos, sino que provienen de la tradición artesanal: Ebanistas o vidrieros.

Utilizan la mecanización controlada para la fabricación de sus productos.

- PARIS: el foco más importante del arte europeo del momento. En Paris el modernismo llega por influencia belga, concretamente a través de la obra de Van de VELDE. Desde principio de la década de los 90, aquí suceden numerosas exposiciones sobre arte y artesanía, artes industriales , como consecuencia del movimiento Arts and Arafts. En el 95 se abrieron varios establecimientos para exposiciones, siendo uno de ellos realizado por el comerciante Samuel BING, llamado L`Art Nouveau diseñado por el proprio Van de Velde. Entre el proprio diseño del establecimiento y las piezas expuestas por Van der Velde, impactó su estilo, implantando el gusto por la línea ondulante.

NANCI

Algunos artistas Franceses trabajaban una línea orgánica desde principios de los 90. Estos artistas provenían de una tradición centrada en el mobiliario. La tendencia va a venir marcada principalmente por . Fue ebanista, algo más tarde se introdujo en el trabajo de vidrio decorativo, pero también fue botánico. El conocimiento botánico se reflejó en todos sus diseños, con una inspiración muy naturalista, directa en los elementos naturales.

El Art Nouveau de la escuela de Nanci en el mas naturalista de todos. No hay abstracción de la naturaleza sino que se representa tal cual. Eso se debe al conocimiento botánico da EMILE GALLÉ, siendo el que marcó el estilo.

Realizo diseños de carácter escultórico, donde incluyo insectos y plantas exóticas, explorando sobre las propiedades del material, su plasticidad. Esa experimentación sobre el material es lo que le llevo trabajar también con el vidrio.

Vemos aquí una mesa de trípode de 3 patas conocida como la Mesa Libélula, por el insecto que representan las patas. Se ve un gran naturalismo y un gran conocimiento botánico.

Combina técnica de marquetería para crear una decoración plana vegetal. Vemos ese carácter barroco de la talla. Vincula la naturaleza y estilos ya conocidos para crear un nuevo diseño.

Cómoda de Gale. En este caso el tallado es menor aunque existen las patas y el tablero superior con ciertas curvaturas, conseguida mediante talla. Predomina la marquetería para conseguir una decoración plana con varias tonalidades de madera.

Cama de Gale cuyo cabecero y piecero recrea mariposas con paisaje de fondo. Simboliza el momento del esplendor con el nacer de la mariposa. También representa el amanecer y el anochecer. Se trabaja en maderas exóticas y nácar, extraído de las conchas marinas.

En la propia estructura se ve la forma ondulante, esa sensación de plasticidad de la materia, pero la inspiración en la naturaleza es más directa y evidente.

Gale también exploro las técnicas del trabajo de vidrio sobre todo para jarrones y lámparas de mesas. Le interesó el vidrio en primer lugar, por su plasticidad. Sus trabajos suelen ser de vidrio soplado, en blando salvo algunas excepciones que presentan algunas tallas. En segundo lugar, le interesa el vidrio por sus posibilidades cromáticas. Esto le da mucho margen para hacer esas recreaciones naturales que le interesa, mediante la adición de sílices de colores.

Vemos jarros donde no trabajo la textura pero vemos un alto grado de decoración cromático, esmerilado (que no llega a ser transparente) y otros jarros con transparencia donde intenta simular la naturaleza mediante la manipulación de la propia materia, creando volúmenes ondulantes.

Trabajo las lámparas de mesa. En algunas combino las posibilidades del metal, vemos una con pie de bronce, pero sobre todo le intereso el acabado del vidrio y el bronce se utiliza como material auxiliar. El metal se emplea en la unión del difusor con el pie, es de bronce dorado y pasa desapercibido para seguir la idea de unidad del conjunto.

Vemos otra lámpara que recrea las setas, donde trabaja más la idea de asimetría, tanto en el pie como en el difusor. El pie también es de bronce.

Galé sentará las bases de la escuela modernista de Nanci y será seguido otros artistas.

Uno de estaros seguidores más importantes será LOUIS MAJORELLE que trabajo en una línea muy parecida a los muebles de Gale, aunque puso más énfasis en las estructuras y en las decoraciones florales añadidas. Vemos una mesa parecida a la que vimos de Galé, con una estructura muy parecida pero donde vemos un trabajo más curvo que le da un carácter blando a la madera. Dispone de aplicaciones de bronce dorado que representa la orquídea.

En esta misma línea, su diseño más conocido es el ESCRITORIO ORQUÍDEA conocido así por los dos plafones/ apliques que llevan a modo de lámpara. Las aplicaciones son de bronce dorado. En su estructura vemos una gran sencillez aunque siempre seguirá una forma ondulada y suave. La recreación naturalista está más enlazada con la decoración añadida, no con la estructura. Le da al mueble mayor elegancia y refinamiento por la sencillez de la estructura y por los detalles decorativos.

El tercero de los grandes maestro de Nanci es EUGENE VALLIN, también diseñador de muebles. Trabajo mucho con el juego entre volumen y espacio. Vemos este aparador de caoba, donde combina la idea ondulante, plasticidad de la madera con el juego de volúmenes. Tiene un concepto de diseño integral. El aparador es una pieza única aunque las sillas son una pequeña serie de juegos limitados de sillas, especialmente diseñada para un espacio concreto. Se vale de la industria pero de una manera muy controlada. Recreación donde vemos el tratamiento de todos los elementos de la estancia, que forma una unidad. El proceso siempre está supervisado por el diseñador para seguir una misma línea.

PARIS

Por influencia de Val der Velde, surge un segundo foco del modernismo ondulante en París.

Siguiendo la línea de Val de VELDE surgen una serie de diseñadores que trabajaran las mismas formas bajo un nuevo concepto. Menos naturalista que el estilo de Nanci, extrayendo ideas de la naturaleza sin llegar a copiarla, tal y como pasa en Bélgica.

Uno de estos artistas que surgen es Eughin GAILLARD:

Silla de comedor de una pequeña serie realizada en nogal y presentada en la exposición de Paris de 1900. Del mismo artista tenemos un aparador en el que vemos como el elemento natural es mas proprio de la decoración que de la estructura. Vemos como la decoración se funde con la propia estructura, integrándose.

Trabaja una línea parecida a la de Van de VELDE pero siguiendo una decoración de filigrana mediante bajo relieve o rehundido.

Otro artista destacado de este periodo es Hector GUIMARD. Aparadores que siguen la filigrana decorativa, la línea ondulante, con una estructura integrada en el espacio. En la parte de ariba tienen unas extensiones que pegan al techo lo que da la sensación de que el mueble nace del techo, que a su vez estaría decorado con la misma madera de estructura ondulante.

Guimard llego a ser famoso por sus trabajos de estructuras metálicas que realizo para las estaciones del metro de Paris. La construcción del metro, 1900, coincide con la nueva corriente artística parisiana y Guimard será el encargado de realizar las estructuras metálicas de las bocas de metro.

También realizo mobiliario urbano y algunas de las barandas del metro bajo el mismo concepto de crecimiento orgánico, correspondiente al modernismo ondulante, solo que es un producto urbano, de arquitectura efímera y el material empleado es el hierro fundido para máxima resistencia al vandalismo y a los medios naturales.

Guimard era arquitecto y como tal se encargó de diseñar cualquier rincón de sus proyectos, con gran atención al detalle, desde los timbres a los picaportes de la puerta, que muchas veces pasan desapercibidos pero tienen gran importancia para un correcto funcionamiento del diseño integral. Introduce ciertos conocimientos ergonómicos y antropométricos, constituyendo volúmenes adaptados a la mano, en este caso.

Otro artista de parís destaca por sus diseños de joyería, adquiriendo fama internacional, es RENE LALIQUE.

Magnificas creaciones de joyería con un amplio y novedoso vocabulario que supone una gran revolución en las técnicas y los materiales para la joyería que se salían de lo habitual, triunfando con ello.

Su vocabulario está basado en los elementos de la naturaleza: plantas, insectos, elementos exóticos y la figura femenina. La combinación de estas líneas o elementos de inspiración es muy novedosa, aplicado a la alta joyería. Mantuvo el uso de los materiales tradicionales de la orfebrería, pero los combinó con piedras semipreciosas y con esmaltes, recuperando la técnica del esmalte tabicado. También aquí vemos la influencia de Art and Craft.

Vemos un broche, una de sus piezas más conocidas, que mide aproximadamente de 10 cm, llamada DRAGONFLY WOMAN. Diseñado en 1998, con estructura en oro, incluye diamantes en las alas, pero introduce piedras semipreciosas aguamarinas, de color azul verdoso y el esmalte tabicado en las alas. Los tabiques simulan la estructura de las alas.

En cuanto a los materiales conlleva una gran revolución, pudiendo abaratar los costes, pero la intención no era la de abaratar sino la de recuperar artes tradicionales como la pedrería y los esmaltes, y lo consiguió con la belleza y refinamiento de sus trabajos. Utiliza un lenguaje simbólico donde combina el cuerpo de una mujer con las garras de un dragón y las alas de una libélula.

Realizo numerosas piezas tanto en colgantes como en pasadores de pelo, algo que puso muy de moda. En ellos combino elementos vegetales, animales y exóticos mediante la figura del pavo real. La idea es la misma: estructura de oro lleva algunos diamantes, esmaltes y piedras aguamarinas.

ESPAÑA: GAUDÍ

El modernismo en España se da casi exclusivamente en Cataluña, ya que es una región burguesa y el modernismo es un estilo burgués.

Hay un poco de desarrollo hacia el sur de Levante, Valencia y Alicante, donde nos encontramos algunos diseños modernistas, pero de poca importancia. El foco principal se da en Cataluña.

Destaca aquí , sobre todo, ANTONIO GAUDI, arquitecto que trabaja el diseño integral, creando desde elementos de construcción hasta último detalle del mobiliario y productos del interior.

En principio vemos en Gaudí dos facetas muy propias del siglo XIX,

- los historicismos

- la inspiración en la naturaleza.

Combina estas dos tendencias que protagonizan en el siglo XIX, haciendo edificios historicistas y modernistas, con líneas ondulantes, al mismo tiempo y en algunos casos, combina ambas.

Edificios Modernistas: la casa Calvet, Battló, Milá

Edificios Historicistas: palacio episcopal de Astorga, La Sagrada Familia, La casa Vicens Neogótica.

Diseñó sobre todo mobiliario y equipamiento con un carácter neomedieva, inspirándose en la tracería gótica. Diseñó mobiliario para la Sagrada Familia, como este banco, y mobiliario y elementos de decoración de la catedral de Mallorca, también inspirados en el medievalismo: rejas, bancos.

Pero Gaudí es mucho más conocido por sus trabajos modernistas, trabajando sus edificio hasta el mínimo detalle.

La casa Calvet: Este edificio se construyo en 1900. Su fachada parece muy convencional pero hay una inventiva modernista con una curvatura en los balcones. Otros detalles los introduce en las rejas, balcones, baranda. Ya podemos observar aquí la recuperación de muchos oficios tradicionales, como la terracería, el mosaico, la vidriera.

En cuanto al mobiliario, emplea la linea ondulada, predominante en todos sus diseños. Tenemos la silla de Brazos o Silla 145 inspirada en la naturaleza y en las formas femeninas, siempre buscando esa sensación de pieza escultórica, plasticidad del material, característico de todos los muebles modernistas. Lo mismo vemos en un escritorio y el resto de modelos de sillas y canapés.

La CASA BATlLÓ: que viene a tener una estructura arquitectónica parecida a la anterior, hormigón armado y hierro fundido.

La fachada es mucho más orgánica, introduciendo formas fluidas en las dos plantas más bajas y arriba las balconadas inspirado en el esqueleto del cuerpo humano. El acabado imita la piedra para parecer más tradicional pero es de hormigón.

En el interior pone gran detalle a la escalera, entradas, y puertas. Su interior está inspirada en el mundo submarino, desde las paredes, todas onduladas, hasta las escaleras y puertas, concebida asimétricamente. Los techos son ondulantes y con forma de espiral. Diseña todos los detalles de las puertas, desde el tirador hasta el numero.

Patio de luces con decoración cerámica y una azotea donde emplea una técnica de mosaico en el acabado de las chimeneas.